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L’histoire de la Manufacture des Emaux de Longwy 1798, faïencerie historique au savoir-faire unique au monde
Célèbre par sa puissante empreinte sur l’industrie de la céramique, la famille Boch est à l’origine de la fondation en 1798 de la Faïencerie de Longwy dans un ancien couvent.
Sa production gagnera en renommée après la visite de l’Empereur Napoléon 1er qui commandera à Longwy les services de table destinés aux Maisons Impériales de la Légion d’Honneur. En 1835, la famille d’Huart devient propriétaire de la faïencerie et la fera prospérer durant tout le 19e siècle.
Vers 1870, en pleine époque orientaliste et pour riposter aux importations croissantes en provenance du Japon et de Chine, on fait venir à Longwy le directeur même des usines du Mikado, l’italien Amédée de Carenza qui apporte avec lui ses idées exclusives : prenant pour modèle les émaux métalliques trouvés en Chine et au Japon, de Carenza imagine leur équivalent céramique : les premiers émaux de Longwy sont nés et leur renommée ira grandissant.
A la même époque, la faïencerie continue à produire des faïences “d’usage” aux motifs de fleurs et d’oiseaux.
Vers 1918, le style Art Déco, au travers de la collaboration avec Printemps-Primavera, marque une période féconde dont le point culminant sera la participation à l’exposition des Arts Décoratifs de 1925. Ce style passera ensuite lentement de mode pour disparaître à la fin des années 30. Après une période de sommeil, la faïencerie a travaillé, au cours des vingt dernières années, à un renouveau profond des formes et des décors. Des relations se sont créées avec de nombreux artistes et designers contemporains apportant un nouveau souffle au sein de cette vénérable maison.
Depuis plus d’un siècle, Longwy détient l’exclusivité des émaux cloisonnés sur faïence. Toutes les pièces issues de notre maison portent le tampon historique et sont accompagnées d’un certificat d’origine. La faïencerie a entamé son troisième siècle d’existence en 1998.
En 2015, l’histoire de la Manufacture continue grâce au groupe Emblem. L’ambition est à la préservation des savoir-faire, au renouveau de la création et à la reconquête des marchés internationaux.
Marcel Rau, né en 1886 à Bruxelles, a étudié la sculpture et l’architecture : formé auprès de Charles Van Der Stappen et de Paul Du Bois à l’Académie des Beaux-Arts de Bruxelles, Marcel Rau a également suivi les cours de l’École nationale supérieure des Beaux-Arts de Paris.
Sa carrière florissante débuta en 1909 lorsqu’il remporta le prix de Rome en sculpture . Grâce à celui-ci, il bénéficia d’une bourse de voyage qui lui permit d’étudier des joyaux de sculpture et d’architecture à travers l’Europe.
En 1915, il fut nommé inspecteur en arts décoratifs et architecture dans l’enseignement artistique. En parallèle à cette fonction officielle, il réalisa aussi un certain nombre de commandes officielles ou privées. Il interprète les formes féminines et enfantines avec un art sensible et nuancé. Ses qualités dominantes sont la grâce et l’esprit.
Après la Première Guerre mondiale, il fut aussi chargé de réaliser les plans de divers monuments commémoratifs, entre autres à Hal, Vielsalm et Ostende. Son chef-d’œuvre le plus connu est peut-être la sculpture de quinze mètres de haut du roi Albert Ier sur le canal Albert, qu’il exécuta à l’occasion de l’ »Exposition de l’Eau » à Liège en 1939.
Il réalisa aussi des monuments funéraires.
Bien que Rau ait étudié l’architecture et qu’il ait été élevé dans ce milieu – son père, Jules Rau, était un architecte réputé et Victor Horta était son parrain – il n’eut toutefois pas pour ambition de mener une carrière dans cette direction. Il continua cependant à garder contact avec le monde de l’architecture. Il était ainsi l’ami de Marcel van Goethem, avec lequel il travailla à l’élaboration du renouveau de la Banque nationale.
Mais Rau n’était pas seulement actif en tant que sculpteur, il a également conçu un certain nombre de monnaies et de médailles. Il a ainsi dix différents types de monnaies à son actif. La pièce de monnaie la plus connue qu’il ait réalisée est probablement celle en bronze d’une valeur de 50 centimes de 1952. On y trouve le portrait d’un mineur. L’artiste y aurait cherché son inspiration dans l’art de Donatello et de Constantin Meunier.
Terre Cuite de Luca Madrassi (1848- 1919) – Allégorie aux fleurs et Putti
Sculpture en terre cuite, Baigneuse nue, signée Alfred Jean Halou, vers 1910/20
Groupe en terre cuite, femme avec son enfant – Travail Français Fin 19ème
Sculpture en terre cuite, Baigneuse nue, signée Alfred Jean Halou, vers 1910/20
Terre Cuite de Luca Madrassi (1848- 1919) – Allégorie aux fleurs et Putti
Les Terres cuites
Groupe en terre cuite, femme avec son enfant – Travail Français Fin 19ème
Terre Cuite de Luca Madrassi (1848- 1919) – Allégorie aux fleurs et Putti
Terre Cuite de Luca Madrassi (1848- 1919) – Allégorie aux fleurs et Putti
Terre Cuite de Luca Madrassi (1848- 1919) – Allégorie aux fleurs et Putti
Terre Cuite de Luca Madrassi (1848- 1919) – Allégorie aux fleurs et Putti
Terre Cuite de Luca Madrassi (1848- 1919) – Allégorie aux fleurs et Putti
De toutes les techniques de la sculpture, la plus simple à mettre en œuvre, et aussi la plus ancienne, est la technique du modelage à main libre. Elle n’exige pas nécessairement l’utilisation d’outils particuliers puisque la main du sculpteur suffit à modeler une matière naturelle et malléable comme l’argile .
Le sculpteur connaît deux procédés pour modeler la matière : Le procédé de modelage par accumulation de matière et le procédé de modelage par suppression de matière. Ce dernier procédé est facilité par l’utilisation d’outils, des « mirettes ou ébauchoirs» permettant d’enlever ou de modeler la matière. Mais, bien souvent, c’est en combinant les deux procédés que le sculpteur façonne son œuvre. Le modelage permet au sculpteur de réaliser rapidement son ébauche dans l’argile, puis de la modifier et de la rectifier à volonté tant que l’argile ne sèche pas. Ainsi les artistes prennent soin de préserver leurs sculptures sous un linge humide entre chaque séance de travail.
A partir de la Renaissance, le modelage s’est vu attribuer un caractère privilégié, dans la mesure où l’essentiel du travail du sculpteur, dès cette époque, a davantage résidé dans la conception et le façonnage des modèles que dans l’exécution des œuvres définitives. Celle-ci a été laissée le plus souvent aux mains des mouleurs, fondeurs et des praticiens.
Il a servi dans la majorité des cas à façonner des œuvres, ayant un caractère préparatoire et transitoire, destinées à être reproduites ou traduites dans d’autres matériaux (bronze, marbre, etc.). Rodin, lui, est modeleur. Des quelque deux cents œuvres qui sortiront des ateliers de Rodin de son vivant, aucune ne sera taillée par lui.
Par Cecile Autant, le 14 mars 2015 pour le Magazine Proantic
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Paire de vases en Albâtre et Jaspe, Italie, 19ème
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The picture of the Palazzo
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